Rothko in Paris – DesignCurial

Die Fondation Louis Vuitton hat eine Retrospektive gewidmet, die Mark Rothko gewidmet ist. Stephen Hitchins nimmt uns mit auf einen Rundgang durch die Pariser Ausstellung.

DIESE GEMÄLDE sind ein Vermögen wert und zerbrechlich. Museen verleihen sie nicht. Irgendwie hat die Fondation Louis Vuitton 115 Werke zusammengestellt, so viele wie die National Gallery of Art in Washington vor 25 Jahren schaffte, aber in Paris umfasst die Ausstellung Bilder aus einem viel größeren Spektrum öffentlicher und privater Sammlungen.

Die Tate hat sogar die Seagram Murals ausgeliehen, die grüblerischen burgunderfarbenen Leinwände, die ursprünglich für das Restaurant Four Seasons im Wolkenkratzer von Mies van der Rohe an der Park Avenue bestimmt waren. Es gibt die Subway-Serie aus den 1930er Jahren; die Versuche einer „neuen Grenze für die Malerei“ aus den 1940er Jahren, die fruchtige, manierierte, übertriebene, anthropomorphe mythologische Visionen sind, die als Reaktion auf die Ankunft so vieler Pariser Surrealisten in New York nach dem Zweiten Weltkrieg entstanden sind.

Und schließlich wird die Bildsprache immer erkennbarer und abstrakter, da die Beziehungen zwischen den Figuren und ihrem Hintergrund immer weniger ausgeprägt sind.

Das entscheidende Jahr war 1949, das definitiv den Übergang zu seinem „klassischen“ Stil markierte, von dem aus der Rothko-Raum in der Phillips-Sammlung von 1960 in Paris nachgebildet wird – die erste und einzige Installation, die zu Lebzeiten des Künstlers entstand. Das Preisexponat der Ausstellung stammt aus dem Jahr 1960, die drei Meter hohe Nr. 14 stammt aus San Francisco und strahlt Orange über Ultramarinblau.

Diese rätselhaften Bilder sind sofort vertraut und gleichzeitig unerwartet komplex und rufen häufig exzessive Kommentare hervor. „Die Geigen kommen raus“, schrieb Robert Hughes über die Flut an schwülstigen poetischen Analysen, die Rothkos Werk in den 1950er und 60er Jahren begleitete. Wenn es um Geigen ging, hatte Rothko selbst jedoch schon immer Paul Valérys Bemerkung gemocht, dass der Gang in ein Museum so sei, als würde man zehn Orchestern gleichzeitig zuhören. Er nahm nie gerne an Gruppenausstellungen teil und sehnte sich danach, seine Bilder in einem Raum zu sehen, in dem keine anderen Künstler anwesend waren. Er würde also dieses Jahr in Paris glücklich sein.

Seine Schenkung der Seagram-Wandgemälde an die Tate war ein Versuch, dieses Ziel zu verwirklichen. Totales Eintauchen war schon immer Rothkos Absicht.

Mark Rothko, Nr. 14, 1960. Öl auf Leinwand. 290,83 cm x 268,29 cm. San Francisco Museum of Modern Art – Kauf durch den Helen Crocker Russell Fund © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko – Adagp, Paris, 2023

„Es sind keine Bilder“, sagte er über die Wandgemälde. „Ich habe einen Platz geschaffen.“ Es ist einer der bleibenden Mythen der Kunst des 20. Jahrhunderts, die einsame Figur des missverstandenen Künstlers, der die Ernsthaftigkeit seines Projekts verteidigt. Zu diesem Zweck nahm er 1964 den Auftrag von John und Dominique de Menil an, als einziger Künstler auf den Wänden einer College-Kapelle in Houston abgebildet zu sein – eine Geschichte mit Happy End.

Das Leben von Mark Rothko war voller Unglück und endete in einer Tragödie. Er starb vor über 50 Jahren einen elenden Tod, ein Tod, der so dramatisch war, dass er das Ende des abstrakten Expressionismus markierte und einen äußerst bemerkenswerten Fall wegen Fehlverhaltens und Verschwörung zum Betrug im Nachlass des Künstlers auslöste, der die New Yorker Kunstwelt über einen Zeitraum von einem Jahr in Atem hielt Zeitraum von vier Jahren in den 1970er Jahren, der in seiner Komplexität häufig mit Watergate verglichen wird. Die Waisenkinder gewannen schließlich, der Wert der Arbeit verdoppelte sich und verdoppelte sich dann immer wieder.

Jedes Gemälde galt nun als erstklassiges Meisterwerk. Ein Farbfeldgemälde wurde zuletzt im Jahr 2012 für 87 Millionen US-Dollar verkauft. In der Kunst glaubt man, einen fairen Preis bekommen zu können, da der Markt durchaus weiß, dass eine Leiche nicht gemalt wird.

Für die Galerien und Auktionshäuser ist der beste Künstler ein guter, toter Künstler. Rothko litt jahrzehntelang unter Enttäuschung und Vernachlässigung, ertrug schmerzliche persönliche Verluste und erdrückende Armut, bevor er schließlich Anerkennung erlangte und zum tragischen Opfer des Systems wurde, das er kaum verstand und das er schließlich verachtete. Und nach seinem Tod wurde weithin angenommen, dass alles, was er hervorbrachte, all diese sinnlich nuancierten Farben dort waren, wo man die ultimative Wahrheit und grenzenlose Weisheit entdecken konnte, die die Samen der Tiefe, der Unendlichkeit und die Grundlagen des Paradieses enthielten. Aber wenn Proust Recht hatte und das einzig wahre Paradies ein Paradies ist, das wir verloren haben, dann ist es ein Privileg, diese Gemälde zu sehen. Es ist unwahrscheinlich, dass es noch einmal die Gelegenheit gibt, eine solche Zusammenstellung von Rothkos Paradies zu sehen. Immer.

Er war ein lettischer Jude, Marcus Rotkovitch, geboren 1903 in Dwinsk, einem Handelszentrum mit 75.000 Einwohnern im Siedlungsgebiet, das heute in Daugavpils umbenannt wird. Er wollte ein großer religiöser Künstler sein. Heutzutage ist es nicht einfach, sich mit ihm als religiösem Maler auseinanderzusetzen, obwohl man zugeben muss, dass alles, was zwischen Betrachter und Bild geschieht, eine spirituelle Dimension hat. „Wir behaupten“, erklärte er in den 1940er Jahren, „dass der Gegenstand entscheidend ist und nur der Gegenstand gültig ist, der tragisch und zeitlos ist.“ Danach erzeugte er in einem endlosen Produktionsstrom schmerzhaft leuchtende, weißglühende Unschärfen. Da war nichts als Farbe, aber was für durchsichtige Farbflecken es waren, ein beeindruckender Farbauftrag nach dem anderen aus verdünntem Pigment. Jede Interpretation bleibt uns überlassen.

Was auch immer Sie davon halten, die FLV-Ausstellung ist ein Meilenstein; Ein Blockbuster, den es je gab, der das gesamte Gebäude ausfüllt und in einer bemerkenswerten Ausstellung gipfelt, die aus einem nicht realisierten Projekt stammt, einem 30 Quadratmeter großen Wandgemälde für das UNESCO-Gebäude in Paris. Es sollte ein Paar aus Rothko und Giacometti sein. Wie viel das eine dem anderen bedeutete, ist unklar, aber die Zusammenhänge waren nie offensichtlicher: Die Angst ist da, die hieratische Stille, eindringlich, tragisch, verletzlich, extrem, zwei große Künstler existenzieller Strenge, die Monomanen der modernen Kunst, nicht abgelenkt durch Erfolg oder Misserfolg endlich vereint, im Raum verloren und ihn doch beherrschend, das Vergängliche verewigend.

Mark Rothko, Selbstporträt, 1936. Öl auf Leinwand. 81,9 x 65,4 cm. Sammlung von Christopher Rothko © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko – Adagp, Paris, 2023

Was für ein Finale für jede Show! Rothko lehnte den Auftrag letztendlich ab, arbeitete aber die letzten zwei Jahre seines Lebens weiter an der Serie, ein ästhetischer Schritt über den abstrakten Expressionismus hinaus und ein Vorbote des Minimalismus.

Sowohl Rothko als auch Giacometti hatten Probleme mit der Figuration, worauf Picasso antwortete: „Erstens gibt es keine Lösung, es gibt nie eine Lösung, und so sollte es auch sein.“

Im Jahr 1958 hatte Rothko erklärt, dass er, obwohl er „einer Generation angehörte, die sich mit der menschlichen Figur beschäftigte“ und obwohl er sie studierte, „mit größtem Widerwillen“ feststellte, dass sie seinen Bedürfnissen nicht entsprach. „Wer es benutzt hat, hat es verstümmelt.“ Niemand konnte die Figur so malen, wie sie war, und das Gefühl haben, dass er etwas schaffen könnte, das die Welt ausdrücken könnte. Ich weigere mich zu verstümmeln und musste eine andere Ausdrucksweise finden.‘

Hier gibt es Gesichter in der Menschenmenge in der U-Bahn, die die meisten Kunststudenten heute nie wieder als Bilder von Rothko erkennen würden, es gibt große Flächen lebendiger Farben, um der Strenge und Melancholie des berühmten dunklen Werks aus den 1960er Jahren entgegenzuwirken, und dann ist da noch die UNESCO Projekt, das Sie dorthin transportiert, wo es hätte sein können.

Nur wenige Künstler waren besessener, gebieterischer und unbeholfener in ihrem Beharren darauf, genau zu bestimmen, wie ihre Bilder aufgehängt, beleuchtet oder betrachtet werden sollten. Es ist eine bittere Ironie, dass, obwohl der Künstler besessen davon war, die physische Unversehrtheit seiner Werke zu schützen und die Bedingungen, unter denen sie gesehen werden würden, zu kontrollieren, einige von ihnen durch die Verwendung schlechter und unzureichender Materialien stark beeinträchtigt wurden Sorge um diejenigen, denen sie gehörten. Hier hingegen sieht alles großartig und angenehm überwältigend aus. Wie Rothko es ausdrückte: „Ein Gemälde ist kein Bild einer Erfahrung.“

Es ist eine Erfahrung.’ Diese Ausstellung ist mit Sicherheit fesselnd und umfassend. Gehen Sie, wenn Sie können. Der Blick auf Rothko ist ein toller Gegenpol zur Lektüre über Rothko. Die Show läuft bis zum 2. April 2024.