Monet-Mitchell – DesignCurial

Wo Claude Monet malte, was er wahrnahm, malte Joan Mitchell, was sie fühlte. Stephen Hitchins erforscht eine Ausstellung, die die Stile dieser beiden Künstler zusammenbringt.

Alle Bilder: Jan Chlebik

GIVERNY UND VÉTHEUIL liegen gar nicht so weit auseinander. Um eine große Biegung der Seine herum, weniger als 20 Kilometer, benötigt man mit dem Auto etwa 20 Minuten, um von einem zum anderen zu gelangen. Auch ihre berühmtesten Künstler liegen nicht weit voneinander entfernt: Claude Monet und Joan Mitchell. In Bezug auf Farbe, Licht, Technik und Natur gibt es eine Konvergenz, die aus bildnerischer, historischer und philosophischer Sicht eine Annäherung zwischen beiden signalisiert.

Obwohl sie ein halbes Jahrhundert und Welten voneinander entfernt sind, gibt es dennoch einen Dialog zwischen ihren Werken. Von Oktober bis Februar nächsten Jahres wurden ihre Arbeiten in der Fondation Louis Vuitton in Paris präsentiert und zeigten, wie nahe ein Vorreiter der Abstraktion einem Meister des abstrakten Expressionismus stand.

Ein Foto von Joan Mitchell in ihrem Atelier im Jahr 1983, ausgestellt am Eingang einer der Galerien

Lange Zeit unbeachtet, doch inzwischen international anerkannt, war Mitchell eine Frau in einer Männerwelt: zu amerikanisch für die Franzosen und zu französisch für die Amerikaner; ein Fisch außerhalb des Wassers, der zu einem neuen Ufer schwamm. Kulturell entwurzelt, schuf sie einige der frischesten und überschwänglichsten Farbabenteuer aller großen Expressionisten. „Meine Malerei ist abstrakt, aber es ist auch Landschaft“, beschrieb sie ihre Arbeit. Es gilt als Inbegriff der Abstraktion.

Die Geschichte ist voller Frauen: übersehene Frauen, schwierige Frauen, ungeliebte Frauen, vergessene Frauen, nicht verwirklichte Frauen, überschattete Frauen. Sie war alles. Aber vor allem und ohne jede Qualifikation war sie eine großartige Künstlerin. Ihre Bilder scheinen Glück auszudrücken, dennoch war sie kein glücklicher Mensch. „…Es gibt Traurigkeit im vollen Sonnenlicht, genauso wie Freude im Regen; Gelb ist für mich nicht unbedingt glücklich“, sagte sie einmal.

Sie stammte aus einer wohlhabenden und intellektuellen Chicagoer Familie und war dennoch wie so viele Künstlerinnen, die sich in der Cedar Tavern an der Eighth Street in New York versammelten und gezwungen waren, im düsteren Schatten von Pollock, de Kooning und Kline zu existieren.

Joan Mitchells Quatuor für Betsy Jolas, 1976, hinter Claude Monets Seerosen, 1916–19

Dass sie dadurch hart, arrogant und sarkastisch wurde, ist keine Überraschung. Wie sie durch die Verbindung zu Monet zu einem so schönen Schatten wurde, ist die Geschichte dieser Ausstellung. Diese Gemälde sind voller lebendiger, dynamischer Panoramalandschaften, schillernder Diptychen und Polyptychen – sogar Quadriptychen – voller elektrisierender, feuriger Farbtöne, die den Betrachter fesseln, und so frisch wie bei ihrer ersten Anfertigung vor über 50 Jahren. Während Simon de Beauvoir schrieb, kämpfte Mitchell mit den Schwierigkeiten einer Künstlerin: „Solange sie noch darum kämpfen muss, ein Mensch zu werden, kann sie keine Schöpferin werden.“ Wenn es der Kunst von Frauen an umfassender gesellschaftlicher Relevanz oder „metaphysischen Resonanzen“ mangelte, lag das daran, dass den Frauen selbst die entscheidende menschliche Qualität fehlte: Freiheit. Gestärkt durch das Geld ihrer Familie tauschte sie die Cedar Tavern gegen das Café du Dôme in Paris und legte die gesellschaftliche Konformität ab, um sich durch alkoholbedingtes destruktives Verhalten zu verhalten. Sie wurde zu einer Außenseiterin, die ihren blauen Koffer immer gepackt hatte, was darauf schließen lässt, dass sie sich nie ganz zu Hause fühlte.

Monet und Mitchell verbrachten beide Zeit in melancholischer Einsamkeit, in ähnlichen Zuständen des Leidens, der Traurigkeit und der Trauer. Dass der Triumph der wahren Freude in ihren Bildern, während sie ihre Verzweiflung und Depression überwanden, ein Ausdruck schwindelerregender, überwältigender Emotionen ist, ist mehr als nur ein Wunder.

Monet wurde in den 1950er Jahren wiederentdeckt und als Pionier der amerikanischen Moderne gefeiert. Es war André Masson, der nach einem Aufenthalt in New York in den 1940er Jahren in einer Ausgabe der Zeitschrift Verve aus dem Jahr 1952 „Monet den Gründer“ als Pionier der Moderne und des abstrakten Expressionismus kürte. Später vertiefte und präzisierte der gefeierte Kritiker Clement Greenberg dieses Urteil im Jahr 1955, während der Direktor des MoMA, Alfred Barr, beschloss, die Seerosen zu erwerben, ein bahnbrechendes Gemälde für New Yorker Künstler. So erhob sich Monet aus der kritischen Vergessenheit, in die er nach der Installation seiner Panoramen 1927 in der Orangerie gestürzt war, und tauchte als Revolutionär wieder auf. Es war der Beginn des Monet-Revivals. Modern, gestisch, energisch, aufgebende Perspektive, großformatig; Wie auch immer, Monet hat es zuerst getan.

Monets L’Agapanthe (1920–26) war eines der Werke des Impressionisten, die Mitchell mochte

Und in den 1950er Jahren pilgerten Künstler der New York School in die Orangerie in Paris, um die Verbindung herzustellen (ein Beispiel hierfür ist die jüngste Monet-Rothko-Ausstellung im Dorf Giverny).

Mitchell konnte auf der Terrasse ihres Hauses in Vétheuil stehen und zu Monets Haus hinüberblicken, in dem er drei Jahre lang lebte, bevor er schließlich nach Giverny zog. Sie teilten die Landschaft, die der Katalysator für ihre beiden Talente war. Beide flüchteten aufs Land, wo sich Wahrnehmung, Empfindung, Gefühl und Erinnerungen kreuzten. Sie würde jeden Einfluss immer vehement abstreiten, aber wenn man sich die Bilder anschaut, ist er auf jeden Fall da. Und sie hatte einen Satz Postkarten mit Monets Werken in ihrem Atelier aufgehängt. Beginnen Sie mit den lila Morgen. Betrachten Sie die Oberfläche und die Spiegelungen des Wassers, die Beziehungen zwischen den Farben, die Verbindung von Licht und Raum. Keiner von ihnen imitiert nur die Natur. Sie verbinden Emotionen und Gefühle mit Erinnerungen. Er „suchte nach Eindrücken“ – „Ich tue, was ich kann, um das, was ich erlebe, vor der Natur wiederzugeben.“ Inzwischen übersetzte sie „Gefühle“ – „Wenn ich es nicht fühle, male ich nicht.“

Frank Gehrys außergewöhnliche Räume in der Fondation Louis Vuitton haben selten etwas so Wundervolles gezeigt. Als sich ihre gläsernen Kurven 2014 wie Segel über den Jardin d’Acclimatisation schwebten, erschien die Fondation von Bernard Arnault als aufregender Eindringling in die Kulturszene der Stadt: ein privates Museum, das den individuellen Geschmack eines Milliardärs in einer Stadt zeigt, deren öffentliche Galerien herausragende Sammlungen verfeinert hatten die Jahrhunderte; ein Gebäude voller aufrührerischer Launen in der Hauptstadt des Rationalismus. Acht Jahre später und eine Reihe spektakulärer, aber auch wissenschaftlicher Umfragen haben Arnaults Ernsthaftigkeit unter Beweis gestellt, während sich die disruptiven Freuden des Entwurfs des Architekten als fantastisch anregender Ort für die Präsentation zeitgenössischer Arbeiten erwiesen haben. Gehrys Panoramaterrasse auf Baumkronenhöhe fühlt sich an, als würde man durch den Himmel laufen.

Für ältere, gewichtige und größere öffentliche Museen ist es schwierig, ein solches Erlebnis von Leichtigkeit und Luftigkeit zu erreichen. Viele Sammler stellen beeindruckende zeitgenössische Gemälde zusammen; Nur wenige Europäer zeigen sie mit der hier beobachteten schillernden Wirkung. Das ist ein neues Spiel. Die Malerei tendiert seit 1960 zum Immersiven, Skulpturalen und Architektonischen und das erfordert neue Formen der Darstellung. Aber auch diesen Winter dient das Gebäude der Kunst, und die Kunst passt zum Gebäude: eine Vision für Gemälde, die Ehrgeiz, Disziplin, Freiheit, Erfahrung, meisterhafte Technik und rücksichtslose Experimente umfassen. Fangen Sie sie, wenn Sie können. Sie werden eine bezaubernde und immersive Reise unternehmen.

Monet-Mitchell: Dialog und Retrospektive / Joan Mitchell Retospektive. Die beiden Ausstellungen finden in der Stiftung Louis Vuitton, 8 Avenue du Mahatma Gandhi, Bois de Boulogne, 75116 Paris, statt. Es läuft bis zum 27. Februar 2023, ist aber dienstags geschlossen